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정창섭 (b.1927-2011)

정창섭은 해방 후 한국에서 교육받은 한국 현대 미술의 제1세대 화가이다. 1953년 제2회 국전에서 특선하며 화단에 등단한 이후, 앵포르멜, 모노크롬을 거쳐 종이를 사용한 작품들을 통해 독자적인 예술 세계를 구축하며 현대 미술 역사에 한 획을 그었다. 1970년대 중반 한국인의 보편적인 민족성과 정신성을 상징하는 재료인 한지의 원료 닥을 주재료로 다루기 시작하면서 전환점을 맞이한 정창섭은, 닥이라는 물질이 지닌 고유의 생명력을 이끌어내기 위해서 자신을 비우고 잊는 침묵과 무명의 상태를 전제로 작업을 한다. 평생토록 일관되게 전통과 현대, 동양과 서양, 정신과 물질 등 이질적 개념이 합치되는 '물아합일475-'의 세계를 추구했으며, 한국의 전통적 미의식과 추상이라는 미술 형식이 만나는 접점을 실험하여 우리 민족 고유의 아름다움을 머금은 한국적 추상 회화의 성립에 기여하였다. 작가는 서울대학교 미술대학 교수를 지냈으며 대한민국미술전람회 심사위원회 위원을 맡기도했다. 표갤러리 서울, 조현화랑, 갤러리현대, 국립현대미술관 등에서 개인전을 가졌으며, 국립현대미술관, 서울시립미술관, 서울시립북서울미술관, 서울미술관, 호암갤러리, 뮤지엄산 등에서 단체전에 참가했다. 1980년 국전 초대작가상, 87년에는 제13회 한국현대미술제 중앙문화대상을 받았고 1933 년에는 대한민국국민훈장 목련장을 받았다. 주 소장처는 국립현대미술관, 서울시립미술관, 삼성미술관 리움, 도쿄도미술관, 히로시마미술관, 홍콩 M+ 시각문화미술관, 아부다비 구겐하임미술관 등이 있다.

 

윤형근 (b.1928- 2007)

윤형근은 일제강점기와 한국전쟁을 겪은 후 마흔다섯 살에 본격적인 작품 활동을 시작했다. 면포나 마포 위에 하늘을 상징하는 청색과 땅을 상징하는 암갈색을 섞어 만든 오묘한 검정을 큰 붓에 듬뿍 묻혀 내려 그은 그의 작품은 제작 과정에서부터 결과에 이르기까지 단순하고 소박하며, 작위와 기교를 배제한다. 삶과 예술의 일치를 추구한 그의 화면은 기 있으되 겸손하고, 소박하되 품위 있어, 오랜 세월 풍파를 견뎌낸 고목, 한옥의 서까래, 구수한 흙내음을 머금은 대지의 정취를 떠올리게 한다. 한국 전통 미학을 현대 회화의 보편적 언어로 풀어낸 윤형근은 세계 속에서 한국 단색화 미학을 대표하는 작가로 자리매김했다. 뉴욕 도널드 저드 파운데이션, 텍사스 치나티 파운데이션, 베니스 포르투니 미술관, 영국 헤이스팅스 컨템포러리, 서울 국립현대미술관 등에서 개인전을 개최했다. 생전 상파울루 비엔날레(1969, 1975), 베니스 비엔날레(1995) 등 주요 국제 전시에 초청되었으며, 현재 그의 작품은 국립현대미술관, 리움미술관, 테이트 모던, 구겐하임 미술관, 클리블랜드 미술관, 글렌스톤 미술관, 도쿄도현대미술관 등에 소장되어 있다.

 

김창열 (b.1929- 2021)

50년이 넘는 세월 동안 김창열(1929-2021)은 물방울을 탐구해왔다. 마치 캔버스 천에서 스며나오는 듯한 모습을 띄는 그의 물방울은 실체를 가지다가 투명하게 사라지는 특성을 지닌다. 금방이라도 떨어질 듯한 물방울은 흐르다가 멈춘 순간을 담아내기도 하고, 바닥에 흡수되는 과정을 보여주기도 한다. 젖음과 마름, 밝음과 어두움 사이의 균형을 이루는 물방울은 실재와 추상의 경계를 넘나들며 관람자를 깊은 사색으로 이끈다. 이러한 명상적이고 치유적인 요소는 예술가 자신이 경험한 일제강점기, 전쟁, 분단 등 한국 현대사의 상처에서 출발해 보편적인 정화의 효과를 갖는다. 김창열은 유년 시절 할아버지에게서 서예를, 이쾌대 화백에게서 회화를 배우며 예술적 기초를 다졌으며, 서울대학교 졸업 후, 박서보, 정창섭과 함께 한국 앵포르멜 운동을 이끌었다. 1961년 제2회 파리 비엔날레와 1965년 상파울루 비엔날레에 작품을 출품하고, 1969년 아방가르드 페스티벌에 참여했다. 1972년 살롱 드 메이(Salon de Mai)에서 Event of Night를 발표하며 유럽 화단에 데뷔했으며, 2004년에는 프랑스 장 드 폼(Galerie Nationale du Jeu de Paume)에서 물방울 회화를 아우르는 대규모 회고전을 열었다. 그의 작품은 광주미술관, 국립대만미술관, 부산시립미술관, 베이징 중국 미술관, 프랑스 죄드폼 국립미술관 등 유수의 기관에서 회고전을 통해 소개되었다. 2016년 제주도에 개관한 김창열미술관은 그의 예술적 유산을 영구히 기리고 있다.

 

박서보 (b.1931- 2023)

단색화의 기수로 한국 현대미술의 흐름을 주도했던 박서보의 작업세계는 크게 네 가지 시기로 구분 지을 수 있다. 57년에서 60년대 중반까지의 원형질시대, 60년대 중반에서 70년까지의 유전질시대, 70년대 초반에서 80년대 후반으로 이어지는 묘법시대, 그리고 80년대 후반에서 현재까지의 후기 묘법시대이다. 묘법(3)이란' 그린 것처럼 긋는 방법'이라고 풀이되며, 프랑스어 'Ecriture'는 '쓰기'란 의미를 지닌다. 제목과 같이 묘법은 선을 긋는 행위의 결과물이다. 캔버스를 물감으로 뒤덮고 그것이 채 마르기도 전에 연필로 선을 긋고, 또 물감으로 지워버리고, 다시 그 위에 선을 긋는 행위를 되풀이하는 과정과 결과가 바로 작품이다. 여러 겹의 축축한 한지를 젤 미디움을 써서 캔버스에 정착시킨 뒤, 표면을 다시 수성안료로 촉촉하게 만든 후, 손이나 막대기로 수차례 긋는다. 손이나 막대기로 그어 내려간 한지 작품은 가까이서 보면 한지 특유의 질감이 자연스럽고 우연적으로 나타나 있다. 회화의 행위성이 끝나면서 작품도 끝난다는 서구의 방법론을 넘어 시간이 개입되면서 변화의 과정을 거친뒤에야 완성에 이른다는 동양 회화의 세계를 잘담아냈다. 작가는 앤 파운데이션, 화이트 큐브, 베니스 비엔날레, 삼성미술관 리움, 부산 시립미술관, 리버풀 테이트 갤러리, 뉴욕 브루클린 미술관, 등의 다수의 전시에 참여해왔다. 그의 작품은 뉴욕 구겐하임 미술관, 홍콩 M+ 미술관, 아부다비 구겐하임 미술관, 국립현대미술관, 도쿄 현대미술관과 같은 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.

 

백남준 (b.1932- 2006)

한국을 대표하는 미디어 아티스트 백남준은 1932년 서울에서 출생해 2006년 미국에서 타계했으며 그의 유해는 서울, 뉴욕, 독일에 나누어 안치돼 있다. 주요 작품으로는 '달은 가장 오래된TV'(1965), 'TV 정원 (1974), 굿모닝 미스터 오웰 (1984) 등이 있으며, 1996년 뇌졸중으로 쓰러졌지만 신체장애를 극복하며 이후에도 활발한 활동을 이어갔다. 2000년 뉴욕 구겐하임미술관과 서울의 로댕갤러리, 호암갤러리에서 대규모 회고전 〈백남준의 세계〉가 열렸다. 베니스 비엔날레황금사자상(1993), 일본 교토상(1998), 독일 괴테메달(1998), 대한민국 금관문화훈장(2000) 등을 수상했으며, 1997년 8월 독일 경제 월간지 〈캐피탈>이 선정한 '세계의 작가 100인' 가운데 8위에 올랐고, 2006년 미국 〈타임〉지에서 '아시아의 영웅'으로 선정된 바 있다.

 

이우환 (b.1936)

이우환은 서울대학교 미술대학을 중퇴하고 일본으로 건너가 1961년에 니혼대학 문학부 철학과를 졸업하였다. 1968년부터 1975년 사이 일본 도쿄에서 전개된 모노파의 이론과 실천을 주도하며 주목받기 시작했고, 이후 모노파의 이론적 토대를 마련한 인물로서 국제적 명성을 얻고 활발히 활동하고 있다. 점과 선의 대가'로 불리는 그의 초기 작품들은 점이 선이 되고 나아가서는 아무것도 아닐 수 있다는 동양 사상에 바탕을 두고 있다. 그의 작업은 '획'이 지닌 의미와 그려지지 않는 여백을 이해해야 한다. 획에는 무한한 순간 속에 정지한 듯, 고요한 가운데 움직이는 듯 정중동, 생동감, 기가 흐른다. 파리비엔날레, 상파울루비엔날레, 카셀도큐멘타 등 권위 있는 국제전에 참여하여 큰 호응을 얻었으며, 뒤셀도르프시립미술관, 루이지아나미술관, 밀라노 현대미술관, 일본 하라현대미술관, 가마쿠라근대미술관에서 대규모 개인전을 가졌다. 일본 나오시마에는 이우환 미술관이 설립되었다. 그의 작품은 파리 퐁피두미술관, 베를린국립미술관, 뉴욕 근대미술관, 도쿄 국립근대미술관, 서울 국립현대미술관, 호암미술관등 유수의 미술관에 소장되어 있다.

 

김종학 (b.1937)

특정한 대상이나 조형 양식에 구애받지 않고 자유롭게 표현하는 김종학 작가는 꽃의 화가로 불린다. 자연을 통해 만날 수 있는 아름다움을 작품의 주제로 삼는다. 이름 모를 곤충들과 새, 야생화들이 자신을 기쁘게 해준다고 말하는 작가는 시간이 날 때면 그것들과 조우하고 이미지를 머릿속에 넣은 후 작업실로 돌아와 캔버스에 옮긴다. 단순히 자연을 묘사하기 보다는 작가만의 애정을 바탕으로 한 재해석의 과정을 통해 추상이 뒷받침된 구상의 방식으로 재탄생 시킨다. 김종학은 1980년대부터 설악산의 자연을 그리기 시작했다. 설악산은 계절마다 다른 4개의 이름을 가지고 있을 정도로 계절별 특성이 뚜렷하다. 산에서 오랜 시간을 지내온 작가에게 계절의 색채를 연구하고 작품화 한 시도는 어쩌면 당연하다. 김종학 작가는 1964년 첫 개인전을 신문회관 화랑에서 열었고, 1965년 제5회 파리비엔날레에 작품을 출품했다. 설악동에 작업실을 마련하고 구상 계열의 작품에 몰입하기 시작한 이후, 1985년 원화랑에서의 개인전을 시작으로 국내외 주요 미술관 및 갤러리에서 작품을 선보였다. 2011년 국립현대미술관에서의 회고전과 2018년에는 일본 도쿄의 토미오코야마 갤러리와 프랑스 파리 기메 박물관에서 개인전을 열었다. 2019년 프랑스 파리의 페로탕 갤러리에서 개인전을 가졌고, 2020년에는 부산시립미술관에서의 대규모 회고전을 열었다. 그의 작품은 현재 국립현대미술관, 서울시립미술관, 호암미술관, 국립중앙박물관, 국립민속박물관, 리움삼성미술관, 부산시립미술관, 동양미술박물관-기메(파리) 등 국내외 주요 미술관에 소장되어 있으며, 2025년에는 아시아 작가로는 최초로 미국 애틀랜타 하이미술관에서 개인전을 개최하였다.

 

이강소 (b.1943)

동서양의 감수성을 아우르며 전통과 현대의 접점을 제시하는 이강소는 1970년대부터 회화, 판화, 퍼포먼스, 사진, 비디오, 설치 등 다양한 매체를 활용한 실험적 작업을 지속해왔다. 1970년대 신체제, AG(한국아방가르드협회), 서울비엔날레, 에꼴드서울 등에 참여하며 실험미술 작업을 시작한 그는 1974년 부터 1979년까지 동료 작가들과 대구현대미술제를 기획하며 서구 미술사와 구별되는 한국 현대미술 고유의 철학적, 미학적 태도를 모색했다. 이 과정에서 비디오, 판화, 이벤트 등을 통해 기존 이미지에 대한 이해를 전복하는 매체 실험을 진행하는 한편, 제9회 파리비엔날레(1975), 제2회 시드니비엔날레(1976), 제10회 도쿄국제판화비엔날레(1976), 제14회 상파울루비엔날레(1977) 등 주요 국제 전시에 참여했다. 1980년대 이후 이강소는 사유의 과정에 천착하며 회화 작업에 몰두했다. 끊임없이 변하는 대상의 속성과 보는 이마다 다르게 해석하는 상황을 인식한 그는 창작자의 의도를 최대한 배제한 그리기 실험을 지속해왔다. 1980년대 초 추상에서 시작해 1980년대 후반 집, 배, 오리, 사슴 등의 구상을 거쳐, 1990년대 이후 추상과 구상을 오가며 상상적 실재를 탐구했으며, 이는 2000년대 이후 글자와 추상의 경계를 넘나드는 작업 시리즈로 이어지고 있다. 이강소는 베니스 팔라초 카보토, 프랑스 생테티엔 현대미술관, 니스 아시아미술박물관, 대구미술관, 경주 아트선재센터 등에서 개인전을 개최했으며, 그의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 호암미술관, 금호미술관, 런던 빅토리아&앨버트 박물관 등에 소장되어 있다.

 

키시오 스가 (b.1944)

일본의 모노하(tO)iK, mono-ha) 운동을 이끈 키시오 스가는 나무, 금속, 돌, 종이, 로프, 콘크리트, 왁스, 비닐 등의 물체를 가공하지 않고 있는 그대로 공간 안에 배치하여 연결시키는 방식으로 작업한다. 물체와 물체, 물체와 공간 사이의 중간 영역을 조율하는 방식으로 작품에 개입하며, 회화나 조각이라는 기존의 예술 장르를 넘어 일종의 풍경을 통한 유동적 관계를 경험케 한다. 그는 1964년부터 1968년까지 도쿄의 타마미술대학교를 다녔으며, 당시 아르테 포베라, 랜드아트 등의 국제적 흐름에 영향을 받은 노부오 세키네, 지로 타카마츠와 같은 젊은 예술가들과 함께 모노하를 탄생시켰다. 졸업 직후 자연과 사물을 이용한 일시적인 구성물을 만들기 시작했으며, 이를 도쿄의 야외 장소에 배치하여 "필드워크"라는 용어로 정의했다. 그는 이러한 활동을 실내 환경으로 옮기며, 파라핀 왁스로 만든 토템 모양의 평행 지층" (1969)이나, 세로로 놓인 강철 판 네 장으로 이루어진 사각형인 "소프트 콘크리트" (1970)과 같은 전례 없는 설치 작품으로 인정을 받았다. 제8회 파리 비엔날레, 제38회 및 제57회 베니스 비엔날레에 작품을 선보인 그는 지난 40년동안 파리의 국립 현대 미술 센터, 뉴욕의 구겐하임 미술관, 샌프란시스코 현대 미술관, 뉴욕 현대 미술관, 베니스의 푼타 델라 도가나 등 유수의 미술관의 주요 전시에 참여했으며, 최근에는 뉴욕의 Dia: Chelsea와 밀라노의 피렐리 행거비코카에서 개인전을 개최했다. 그의 작품은 현재 다양한 공공 및 사립 컬렉션에 포함되어 있다. 지닌 의미와 그려지지 않는 여백을 이해해야 한다. 획에는 무한한 순간 속에 정지한 듯, 고요한 가운데 움직이는 듯 정중동, 생동감, 기가 흐른다. 파리비엔날레, 상파울루비엔날레, 카셀도큐멘타 등 권위 있는 국제전에 참여하여 큰 호응을 얻었으며, 뒤셀도르프시립미술관, 루이지아나미술관, 밀라노 현대미술관, 일본 하라현대미술관, 가마쿠라근대미술관에서 대규모 개인전을 가졌다. 일본 나오시마에는 이우환 미술관이 설립되었다. 그의 작품은 파리 퐁피두미술관, 베를린국립미술관, 뉴욕 근대미술관, 도쿄 국립근대미술관, 서울 국립현대미술관, 호암미술관등 유수의 미술관에 소장되어 있다.

 

베르나르 프리츠 (b.1949)

베르나르 프리츠는 1970년대 후반부터 전통적인 회화 기법에서 벗어나, 질서와 우연이 공존하는 독자적 추상회화 작업을 전개해왔다. 프리츠는 먼저 일정한 규칙과 질서를 설정하여 일관된 힘으로 반복적 행위를 수행한다. 이 과정에서 수평과 수직의 붓질 틈새에서 우연과 예측 불가능한 색의 혼합이 발생하는데, 이는 회화를 완결된 세계로 구축하려는 주체의 의지를 해체하고, 회화가 스스로 의미를 생성하도록 유도하는 결과로서, 회화 행위 자체의 리듬을 드러낸다. 프리츠는 보이지 않는 중개자로, 크기가 다른 붓을 묶거나, 특별한 도구를 직접 제작하여 사용하기도한다. 생성과 해체가 끊임없이 반복되는 40여 년의 여정 속에서 그가 추구해 온 것은 반복의 자유, 그리고 회화의 지속 가능성에 대한 신념이다. 프랑스 생 망데에서 태어나 현재 파리와 베를린에서 거주하며 작품활동을 하고 있는 베르나르 프리츠는 1979년 파리 루시에 뒤랑 갤러리에서 첫 개인전을 연 이후 70여 차례 개인전을 갖는 등 왕성한 활동을 펼치고 있다. 2003년 프랑스 파리 시립 미술관에서 열린 개인전을 성공적으로 마치면서 유럽 미술계의 관심을 모으기 시작했으며, 2005년 베니스 비엔날레에 참여하고, 파리 시립 현대미술관, 헤이그 시립미술관, 바젤 쿤스트할레, 모르스브로이히 미술관 등에서 개인전을 개최하였다. 그는 베를린 예술아카데미의 케테 콜비츠 상(2015), 베를리니셰 갤러리의 프레드 테일러 회화상(2011), DAAD 베를린 레지던시(1993), 그리고 빌라 메디치(프랑스 아카데미 로마, 1984-1986) 펠로우십 등 다수의 상과 레지던시에 선정된 바 있다. 최근에는 갤러리 페로탕, 넥스트 생 슈테판 갤러리, 마리안 굿맨 갤러리 등에서 개인전을 이어가고 있다. 그의 작품은 테이트 갤러리, 파리의 퐁피두 센터, 파리 시립 현대미술관, 미국 LA의 MOCA 등 유수한 기관에 소장 되어 있다.

 

이배 (b.1956)

이 배 작가는 30여년 동안 숯이라는 재료와 흑백의 서체적 추상을 통해 한국 회화를 국제무대에 선보이고 있다. 1989년 도불 이후 서양 미술재료 대신 한국인들에게 친숙한 재료인 숯을 작품에 사용하기 시작했다. 작품에는 숯이 가지고 있는 삶과 죽음, 순환과 나눔 등의 태생적 관념 위에 작가 특유의 예술적 상상력이 더해진다. 작가는 숯을 이용해 드로잉, 캔버스, 설치 등의 다양한 형태의 작업을 해오면서 자신의 영역을 확장시켜왔다. 캔버스 위에 절단한 숯 조각들을 빽빽하게 놓고 접합한 후 표면을 연마해낸 이슈드푸(Issu du feu), 숯가루를 짓이겨 미디엄을 사용해 화면에 두껍게 안착시킨 풍경(Landscape), 목탄에서 추출한 검은 안료로 캔버스 위에 형태를 그리고 밀랍 같은 두꺼운 재료를 여러 번 덮은 작업인 아크릴미디움(Acrylic medium), 숯가루가 섞인 먹물로 다양한 형태의 붓질 그대로를 보여주는 붓질(Brushstroke), 숯 자체 또는 브론즈로 보여주는 조각 시리즈 등이 있다. 그는 숯을 사용하는 이유가 그 안에 인간이 통제할 수 없는 거대한 자연이 존재하기 때문이라고 말한다. 작가는 베니스 비엔날레, 뉴욕 록펠러 센터 채널 가든, 프랑스 기메 미술관, 페르네브랑카 파운데이션, 대구미술관, 생테티엔 현대미술관, 베이징 투데이 아트미술관 등 다수의 전시에 참여했다. 2000년 국립현대미술관 '올해의 작가상'을 수상하고, 이후 2009 파리 한국문화원 작가상, 2013년 한국미술비평가협회 작가상, 2018년 프랑스 문화예술 훈장 기사장을 받았으며, 2023년에는 대한민국 문화예술상을 수여받기도 하였다. 현재 그의 작품은 국립현대미술관과 서울시립미술관, 리움미술관, 마그파운데이션, 프랑스 파리 기메 박물관, 스페인 뿌리바도 알레그로 재단, 바루 재단을 포함한 국내외 주요 미술관에 소장되어있다.

 

김택상 (b.1958)

김택상은 30여 년에 걸쳐 '물'이라는 매체를 통해 색의 번짐과 침착, 겹침을 실험해온 작가다. 바닥에 눕힌 캔버스 위에 극소량의 안료를 푼 물을 붓고 말리는 반복적인 작업은 수행적이면서도 치유적인 '보살핌의 미학'을 드러낸다. 수십 차례의 층위를 쌓아가는 행위는 화면에 미세한 간극을 만들고, 빛을 산란시켜 깊이와 밀도를 부여한다. 마치 자연이 스스로 그려낸 듯 은은하고 담백한 색감을 띤 그의 회화에 대해 작가는 '맑을 담' 자를 써서 '담화(콥)'라 명명한다.1990년대 초 정치사회적 메시지를 담은 작업에서 출발한 그는, 옐로스톤 화산 분화구의 물빛에 매혹되며 예술적 전환점을 맞이했다. 이후 자연의 구조-물, 공기, 빛, 중력-를 작업실로 끌어들여 자신만의 조형 방식을 구축하며 물질성과 감각, 개념과 자연을 잇는 회화 세계를 펼쳐왔다. 눈에 띄는 대비보다 분간하기 어려운 유사성과 떨림, 그리고 빛의 진동을 담는 그의 회화는 단색화의 계보 속에서 논의되면서도, 자연과 인간, 매체와 인식의 관계를 섬세하게 탐색해온 독자적인 사유의 여정을 보여준다. 작가는 중앙대학교 회화과에서 학사를, 홍익대학교 서양화과에서 석사를 마쳤으며, 국립현대미술관, 금호미술관, 삼성미술관 리움, 수원시립아이파크미술관 등에 작품이 소장되어 있다.

 

정광호 (b.1959)

정광호 작가는 자신의 조각을 '비조각적 조각(Non-sculptural sculpture)'이라 명명하고, 조각이 지닌 반대의 속성을 작품에 넣으면서도 그것이 여전히 조각 임을 증명하고자 한다. 꽃잎, 나뭇잎, 물고기, 항아리 등을 모티브로 조각의 특징인 물질감이나 양감을 제거하고, 가는 구리선을 통해 조각의 새로운 개념을 제시한다. 회화에서 가져온 선적 요소를 입체적 형태의 조각으로 표현함으로써 멀리서 바라볼 때는 공간 속에 존재하는 조각으로 인식되지만, 가까이 다가갈수록 작품 표면의 선들이 시선을 끈다. 외면과 내면의 구분 없이 투명한 표면의 형태를 그대로 드러내는 작품은 '표면이란 곧 조각 본질의 껍질이자 현실'임을 보여준다. 작가는 1959년 대전에서 태어나 서울대학교 미술대학 조소과를 거쳐 동 대학원을 졸업했다. 현재 국립 공주대학교 예술학과 교수로 재직 중이다. 1998년 금호미술관, 같은해 네델란드의 100년의 역사를 가진 스테델릭 미술관에서 개인전을 개최했다. 2000년 아트선재미술관(경주), 2003년 갤러리 토마스(뮌헨,독일), 2006년 뤼멘 갤러리(파리, 프랑스), 2007년 캔버스 인터내셔널 아트갤러리(암스테르담, 네델란드) 등 국내뿐 아니라 유럽에서도 개인전을 선보였다. 주요 그룹전으로는 '시티 넷 아시아(2003, 서울시립미술관); 한국미술-여백의 발견(2007, 삼성미술관 리움), 한국미술에서의 모더니티와 그 너머(2008, 싱가포르 미술관), '쉼 (2011, 경기도미술관)' 등이 있다. 그의 작품은 국립현대미술관, 대전시립미술관, 한림미술관, 선재미술관, 호암미술관 등에 소장되어 있다.

 

보스코 소디 (b.1970)

미국을 중심으로 멕시코, 독일, 일본 등 세계를 무대로 활발히 활동하고 있는 보스코 소디는 풍부한 질감과 선명한 색상을 지닌 거친 표면의 부조회화로 널리 알려져 있다. 뿐만 아니라 회화, 조각, 설치 등 다양한 형식과 매체를 사용하는 방식으로 독자적인 작품세계를 구축하며 평단의 호평을 받아왔다. 그는 캔버스를 지면에 수평으로 놓고 그 위에 안료, 톱밥, 목재 펄프, 천연 섬유질과 교의 혼합물을 오랜 시간에 걸쳐 흩뿌리고 두껍게 쌓아 올린 후, 작업이 굳도록 내버려둔다. 보스코 소디가 작품을 제작하는 과정은 하나의 퍼포먼스이다. 때로는 몇 달간 방치되기도 하는 이 시간 동안 작품의 표면에는 작가의 행위가 고스란히 드러나며 단층의 선을 따라 움직이고 멈춘다. 물질이 건조되면서 표면에 첫 갈라짐이 나타나는 순간 작업을 중단한다. 그의 작품은 일본의 이시카와현립미술관, 미국 매사추세츠의 하버드 박물관, 벨기에 앤트워프 현대미술관, 네덜란드 바세나르의 보르린던 박물관, 그리고 호주 멜버른의 빅토리아 국립미술관 등 다양한 공공 및 사립 컬렉션에 포함되어 있다.

 

Chung Chang Sup (b.1927 - 2011)

Chung Chang-Sup, a first-generation master of Post-war Korean contemporary art, pursued a sense of beauty and identity in Korean art through the use of abstractness and Hanji paper. Starting with the 'Informel' art movement and progressing into the 'Monochrome' movement, he steadfastly incorporated Hanji paper into his artistic process. His artworks resonate with echoes of Korean tradition while establishing his unique artistic domain. He perpetually explored the harmonious combination of heterogeneous elements, bridging the traditional and the modern, the East and the West, and the intangible and the tangible. In his art, shapeless frames and hues of yellow, black, and adzuki bean gruel create a profound sense that many years have passed, enveloping viewers in absolute silence and captivation. The Korean traditional mulberry paper work developed from the 1970's series 'Et' which means ' Return', to a series which consists of tapping and shaping of soaked mulberry paper onto a canvas, which was called 'I#' meaning 'Tak', in the 1980's. Following the tions sucha ches destina turns, ta te hi and in eit aio, so exiliterai 965, ando part insertial rena extentions on Korean art history. In 2010, there was a large-scale retrospective at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, South Korea. Currently, his works are in the collections of reputable art institutions, such as National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Gwacheon, South Korea; Seoul Museum of Art, Seoul, South Korea; Leeum Museum of Art, Seoul, South Korea; Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo, Japan; M+ Museum, Hong Kong, China; and Guggenheim Abu Dhabi, Abu Dhabi, United Arab Emirates.

 

Yun Hyong-keun (b.1928 - 2007)

After enduring Japanese colonial rule and the Korean War, Yun Hyong-keun began making art in earnest at forty-five. His works-created by applying a mixture of ultramarine, symbolizing the sky, and umber, signifying the earth, onto raw canvas or hemp cloth—are profoundly simple and modest from process to result, eliminating artifice and technique. Embodying the artist's pursuit of harmony between life and art, his canvases are spirited yet humble, simplet traditional akstetic entre smiater hine of ensemportay ania, our established airseras a represent tre fatre the kites Dansaekhwa on the global stage. His solo exhibitions have been held at the Judd Foundation in New York, the Chinati Foundation in Texas, Palazzo Fortuny in Venice, Hastings Contemporary in the UK, and the National Museum of Modern and Contemporary Art in Seoul. During his lifetime, Yun was invited to major international exhibitions including the São Paulo Biennale (1969, 1975) and the Venice Biennale (1995). His works are held in permanent collections at the National Museum of Modern and Contemporary Art, the Leeum Museum of Art, Tate Modern, the Solomon R. Guggenheim Museum, The Cleveland Museum of Art, Glenstone, and the Museum of Contemporary Art Tokyo.

 

Kim Tschang-Yeul (b.1929 - 2021)

Kim Tschang-Yeul devoted over 50 years to exploring the motif of water drops. His iconic droplets, appearing as if seeping through the canvas, transition from tangible presence to transparency, balancing wet and dry, light and dark. This meditative imagery bridges reality and abstraction, reflecting the artist's experiences with Korea's turbulent history, including colonization, war, and division, while offering universal themes of healing and catharsis. Kim studied calligraphy with his grandfather and painting with Lee Quede before graduating from Seoul National University. A leader of Korea's Art Informel movement with Park Seo-Bo and Chung Chang-Sup, he gained international recognition through the Paris Biennale (1961), São Paulo Biennale (1965), and Avant-Garde Festival (1969). A major retrospective of his water drop paintings was held at Galerie Nationale du Jeu de Paume in 2004. Kim's works have been featured in retrospectives at the Gwangju Museum of Art, Taiwan National Museum of Fine Arts, Busan Museum of Art, and the National Art Museum of China. In 2016, the Kim Tschang-Yeul Museum of Art opened in Jeju, Korea, ensuring his artistic legacy endures.

 

Park Seo-Bo (b.1931 - 2023)

Park Seo-Bo was a seminal figure in Korean contemporary art. He was one of the founding members of the Dansaekhwa movement, which emerged in the early 1970s post-war Korea and has since gained international recognition. In the late 19605, Park began the 'Ecriture' series by repeating pencil lines over wet monochromatic painted surfaces. Later, he expanded the language through the introduction of hanji (traditional Korean paper) and color. The work is brought into being through the process of repetitive actions of pasting, scraping, scratching, and rubbing. It delicately balances drawing and painting in a quest for emptiness through reduction. Park's work has been exhibited internationally, including: Museum of Fine Art, Boston, United States; the Venice Bina, Brook useum, em orA, nied Sales andrea; Sis, Morea, asa, Sinis work instale in, conti outrite selmen ol, United heim Museum, New York, United States; Mt, Hong Kong, China; Guggenheim Abu Dhabi, UAE; The National Museum of Contemporary Art, Seoul, South Korea; and the K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany.

 

Paik Nam June (b.1932 - 2006)

Nam June Paik, a pioneering media artist from South Korea, was born in Seoul in 1932 and passed away in the United States in 2006. His remains are interred in Seoul, New York, and Germany. Some of his major works include Moon is the Oldest TV (1965), TV Garden (1974), and Good Morning Mr. Orwell (1984). Despite suffering a stroke in 1996, which left him physically disabled, he continued to create and exhibit his work. In 2000, a major retrospective titled The World of Nam June Paik was held at the Guggenheim Museum, New York, United States, Rodin Gallery, Seoul, South Korea, and the Ho-Am Art Museum, Seoul, South Korea. Paik received numerous prestigious awards, including the Golden Lion at the Venice Biennale, Venice, Italy (1993), the Kyoto Prize, Kyoto, Japan (1998), the Goethe Medal, Germany (1998), and the Order of Cultural Merit (Geumgwan) from South Korea (2000). In August 1997, Capital, a German economics magazine, ranked him 8th among the world's top 100 artists. In 2006, Time magazine named him one of the Asian Heroes.

 

Lee U Fan (b.1936 )

Lee U Fan dropped out of the College of Fine Arts at Seoul National University and moved to Japan, where he graduated from the Department of Philosophy at Nihon University in 1961. Between 1968 and 1975, he gained attention in Tokyo by leading the theory and practice of the Mono-ha movement. He later became recognized as the key figure who established the theoretical foundation of Mono-ha and has since earned international acclaim while maintaining an active artistic career. Known as the "Master of Points and Lines," his early works are rooted in Eastern philosophy, exploring how points can become lines, and eventually even transform into nothingness. Understanding his work requires an appreciation of both the meaning of the stroke and the unpainted space surrounding it. Each stroke conveys a sense of stillness within motion-jeongjungdong-flowing with vitality and energy, as if frozen in an infinite moment yet subtly moving. Lee has participated in prestigious international exhibitions, including the Paris Biennale, São Paulo Biennale, and Documenta Kassel, receiving widespread acclaim. He has held major solo exhibitions at institutions such as the Düsseldorf City Museum, Louisiana Museum of Modern Art, Milan Contemporary Art Museum, Hara Museum of Contemporary Art, and Kamakura Museum of Modern Art. The Lee U Fan Museum has also been established on Naoshima Island in Japan. His works are included in the collections of prominent museums, including the Centre Pompidou in Paris, the National Museum in Berlin, the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the National Museum of Modern Art in Tokyo, the National Museum of Modern and Contemporary Art in Seoul, and the Ho-Am Art Museum.