One of the influential figures of Korean Monochrome paintings, who was also known as ‘The Tak artist’
Born in 1927, The deceased artist made his debut from the 2nd National Art Exhibition of 1953, who majored in painting at Seoul National University. He taught the students of Seoul National University from 1961 to 1993, became an administrative member of Korea’s cultural assets from 1969 to 1971 and received the Order of Civil Merit, Magnolia Medal in 1993.
After Korea’s independence from its former Japanese colonisation, he continued his national education of art and perpetually sought for a sense of beauty and identity of Korean art through the medium of abstractness and Hanji paper. beginning from the ‘Informel’ art movement, moving onto the ‘Monochrome’ movement, he steadily continued the use of Hanji paper in his work. His work bear echoes of Korean tradition and establishes his own unique domain of art. Chang Sup Chung eternally pursued the combination of heterogeneous elements such as the traditional and the modern, the east and the west, the intangible and the tangible, where distinct opposite objects meet a mutual concurrence.
Shapelessly moderated frames, yellow, black and adzuki – bean gruel hues conjure the feeling that many years have passed, where every sound is brought to an absolute silence and viewers are capsized by the painting. Today, his work of dappled colours constructs a loutish, yet tranquil ground that seizes the room.
The Korean traditional mulberry paper work developed from the 1970’s series ’歸’ which means ‘Return’, to a series which consists of tapping and shaping of soaked mulberry paper onto a canvas, which was called ‘楮’ meaning ‘Tak’, in the 1980’s. Following the 1990’s such a series developed further into ‘默考’ which means ‘Meditation’.
Art critique Yoon Jin Sup spoke of Chang Sup Chung as “an important figure of Korean contemporary art. Reason being that his work pries into the characteristic impressions of the people of Korea”. He goes further to say that “His artwork displays refined and opulent world of Chang Sup’s mind, and his mulberry paper works are the repository of his cognition”.
■ Meeting his lifelong companion, paper
Unlike the other senior artists that came under the influence of Japanese colonialism, Chang Sup Chung aligned with his fellow rebellious artists despite the post-war anxiety and crisis that manifested in the country during the late 1950’s. Under such circumstances, he has kept pursuing his self identity, and he has always asked himself ‘How can one depict Korean abstract art?’
Although Chung Chang-Sup majored in western painting, he acknowledged his nature and understood that his properties did not mix well with the techniques of oil painting. Since this realisation, he has taken forth a more natural approach to his work where ink permeates through the thin layers of his canvas through a more oriental demeanor. It was in the midst of the 1970’s where Chung Chang-Sup ‘met’ his lifelong companion, Hanji paper.
“Before I met Hanji paper, I worked with oil paintings. I did not like the sticky, oily properties of oil paint. This is why I often mixed the paint with a lot of turpentine, but I it was still not enough to attain to my likings. So I came to know Hanji paper around the 70’s, but the expression that struck me at the time was not to ‘use’ the Hanji paper, but to have ‘met’ the paper seemed almost too fitting and more natural. It was suited me so well that I felt attuned to it. Once I met Hanji paper, I started to devote myself to it.
From the discomfort of the sticky properties of oil paint, Chung Chang-Sup has ironically re-appeared in 1970 with his series ‘return’, utilising Korea’s traditional paper. He goes through the process of affixing Hanji paper upon the canvas, allowing the ink to permeate through and leaving an oddment of stains on the surface. His series ‘return’ brings to mind a depiction of Korean traditional rice paper doors or windows. Chung Chang-Sup has spent his early life in a traditional Korean-style house, surrounded by Hanji paper. He had also made the assumption that growing up in such a house at his childhood stage could have been a reason that brought his inevitable convergence with Hanji paper. To him, Hanji paper carries the Korean way of life, as well as the traditional lifestyle that revolved around the many utilisation of the Hanji paper. Keeping in mind of its racial characteristics, Hanji paper is the raw material that brings him such aforementioned meaning.
■ Conversations with ‘Tak’, to the world of silence
In the 1980’s, Chung begins his series ‘Tak’ which is what the essential ingredient of Hanji paper.The yellowish subtle texture are the striking features of this specific series. Chung Chang-Sup embodies the landscape in his canvases by spreading the dough of Tak and adjusting them with his hand, creating delicate creases which become mountains, valleys, gyrose riverpaths and earthly mountain ridges. The state at which Tak and the soul of the artist becomes one at complete unison, this is the vision of concurrence that Chung Chang-Sup endlessly pursues.
“My works of Tak are like the shaping of ceramics, where one raises the temperature with wood fire. Such practice evokes afterimages that comes from calm behaviours brought through a state at which I have completely lost myself. The afterimages are also a form of suffusion where I am able to meet my inner figures. As one sheds the slough of life, like how granite surfaces become assimilated through time, spontaneously creating matter, time and consciousness. One meets the true essence of nature, and that is what I long for.”
‘Silence is all that the work has to offer.’ His last series, ‘Meditation’ is Chung Chang-Sup’s Magnum opus. The Meditation series first began production in the 1990’s, and is still consistently being produced. Tak is still the main ingredient of production, but there are much strict divisions and compartments of bilateral symmetry. However, the firmly evened materialistic coplanarity adds tension to the piece. Another idiosyncrasy of this period is the choice of colour. The Tak has been dyed before-hand as it was being soaked in water. Such means permitted a sense of inner withdrawal of subtleties and depths which conveyed resonance. A resonance that perfected the tone of silence of Chung Chang-Sup’s work.
한국 모노크롬 회화의 대표 작가 중 한 명으로 ‘닥의 작가’로 불림
1927년 충북 청주에서 태어난 고인은 서울대 회화과 1회 출신으로 1953년 제2회 국전에서 특선하며 화단에 등단했다. 1961년부터 1993년까지 서울대에서 학생들을 가르쳤으며 1969~1971년에는 문화재 전문위원을 역임했고 1993년에는 국민훈장 목련장을 받았다.
해방 후 국내에서 교육 받고 자란 미술 1세대 화가로 한국적 전통의 종이와 미감을 접목한 추상미술로 한국미술의 정체성을 끊임없이 모색해왔다. 앵포르멜에서 시작하여 모노크롬을 거쳐 닥종이를 사용한 그의 작품은 한국 고유의 전통적 울림을 내포하고 독자적인 예술세계를 펼쳐왔다. 평생 동안 일관되게 전통과 현대, 동양과 서양, 정신과 물질 등 이질적 개념이 합치되는 ‘물아 합일’의 세계를 추구했다.
아무 형태 없이 절제된 화면, 누런 색, 검정, 팥죽 색 등 세월이 곰삭은 색감 앞에 서니 모든 소음이 멈춰진 절대적인 정적의 세계에 빠져든다. 알록달록 화려한 색채로 범벅 된 오늘날 그의 작품은 촌스러운 듯 조용하지만 마음의 찌꺼기마저 가라앉을 수 없는 고요함으로 공간을 장악한다.
한지 작업은 한지의 번짐 효과를 이용한 1970년대 중반의 ‘귀(歸) 연작에 이어 물기를 머금은 닥종이를 캔버스 위에 편 뒤 닥을 두드리거나 만져 표현한 1980년대 ‘저(楮) 연작과 1990년 이후의 ‘묵고’(默考) 연작으로 이어지며 발전해갔다.
미술평론가 윤진섭은 “한국 현대미술에서 정창섭이 중요시되는 까닭은 그가 한국인의 심상에 파고드는 작업을 하고 있다는데 있다”며 “그의 작품은 고상하고 격조가 높은 정신세계를 반영하고 있으며 그의 닥종이 작업은 그런 그의 정신을 담는 그릇”이라고 평하기도 했다.
■평생 동반자 종이를 만나다
식민지 시대, 일본의 영향을 받았던 선배 화가들과 달리 정창섭은 전후의 불안과 위기의식의 그림자가 드리우고 있던 1950년대 후반, 당시 신세대 작가들의 저항과 도전정신에 동조하면서도 자신의 정체성을 끊임없이 고민했다. ‘한국적인 추상미술은 어떻게 구현될 것인가.’ 그의 화두였다.
서양화를 전공했지만 기름진 유화기법과 융화되지 못하는 자신의 체질을 깨닫고 마치 동양의 수묵처럼 엷게 번지고 스며드는 자연주의적인 화법을 구사했다. 그에게 일대기적 전환이 이루어진 시기는 1970년대 중반, 평생을 함께 할 동반자로서 종이, 한지를 운명처럼 만나게 된 것.
“종이와 만나기 전에는 유채작업을 했는데 유채의 그 끈적끈적하고 기름진 것이 싫어서 테레핀 유를 아주 많이 섞어 쓰곤 했지만 그래도 마음에 들지 않았어요. 그러다 1970년대에 들어서서 한지와 만났는데 그때 그 느낌은 요걸 한 번 써 보자가 아니라 만났다는 표현이 어울릴 정도로 아주 자연스럽게 내 속에 다가오는 것을 느꼈어요. 그래서 한지와 만나자마자 그것에 몰두하기 시작했지요.”
유화의 기름지고 끈적이는 성질이 불편했던 그는 1970년대 ‘귀’ 연작으로 한국의 전통적 재료인 종이로 회귀한다. 화선지를 캔버스 위에 붙이고 그 위에 먹물이 자연스럽게 스며들어 얼룩을 남기는 ‘귀’는 한옥의 창호지 문이나 창문을 연상시킨다. 실제로 정 화백은 문, 창문, 벽, 바닥, 천장 등 종이로 둘러싸인 전통 한옥에서 성장한 유년기의 경험이 종이와의 운명적 만남을 결정지었다고 회상한 바 있다. 그에게 한지는 한국인의 삶과 밀착된 전통적 생활방식이자 보편적인 민족성을 지닌 재료로서의 의미를 지니고 있었다.
■’닥’과의 대화 침묵의 세계로
1980년대 종이에서 한지의 원료인 닥을 주재료로 ‘닥’ 연작을 시작한다. 누르스름하고 미묘한 종이 결이 인상적인 ‘닥’ 연작. 닥 반죽을 올려 손으로 이리저리 펴고 매만지면서 만들어낸 섬세한 주름은 산이 되고 골짜기가 굽이치는 강줄기나 대지 위에 새겨진 능선을 담은 거대한 자연의 풍경을 담아낸다. 작가의 숨결과 혼이 닥이라는 재료와 하나로 동화되는 경지, 그것이 정창섭이 지향하는 물아 합일의 세계다.
“나의 닥 작업은 장작불을 지펴 온도를 가늠하며 도자기를 구워내는 도공처럼 나를 잊어버린 경지에서 잔잔한 행위의 잔상들을 통해 내 마음에 번지는 내밀한 형상들을 만나게 되는 것이다. 삶의 허물을 벗듯, 시간 속에 동화된 화강암 표면처럼 모든 흔적과 얼룩과 우연을 통해 ‘물질’ ‘시간’ ‘자아’ 그리고 ‘자연’을 만나게 되는 것, 그것이 나의 바람인 것이다.”
‘침묵은 작품의 전부다.’ 그의 마지막 연작 ‘묵고’는 정 화백의 대표작이다. 묵고 연작은 1990년 처음 등장하여 지금까지 지속적으로 제작되고 있다. 닥종이가 여전히 사용되고 있지만 좌우대칭의 엄격한 면의 분할과 구획, 그리고 단단하고 균일하게 다듬어진 마티에르로 인해 팽팽한 평면성이 긴장감을 더한다. 이 시기의 또 다른 특징은 다양한 색의 사용이다. 닥을 물에 푼 상태에서 미리 염색했다. 그래서 일까. 내면으로 침잠하며 미묘한 깊이의 울림을 전달하는 침묵의 색채가 빚어졌다.