Born in 1935,Gimhae, South Korea
Kim Hong-Seuk (金洪錫, 1935-1993) worked by repeatedly weaving and fixing thread onto canvas, a method through which he sought to re-examine the structural conditions of the picture plane within the broader development of Korean abstract art in the 1970s. Taking up a needle in place of a brush, and sewing thread instead of applying paint, he orchestrated a surface on which thread and canvas share an equivalent materiality. Against a restrained monochrome ground, the thread at times recedes into the weave and at other times stands in relief, generating a distinctive pictorial tension. The traces of thread accumulated through repeated action reveal the physical strata of time as a structure integrated within the picture plane.Cutting thread to uniform lengths aligned with the grain of the canvas, then drawing each strand up through from back to front, one by one, is an arduous process of manual labor. Through that process, the surface takes on an abstract formal character while the material traces accumulated at the fingertips coalesce into a texture that feels almost tangible, rather than a conceptual void. This sculptural thinking is made most legible in the Gaepye (開閉 – “Opening and Shutting”) series, where thread arranged systematically across the surface is tense between openness and closure. His thread works, at times scattering into pointillist fields and at times flowing as lines, arrive in Danggan (幢竿 – “Banner Pole”) at a contrast between densely packed structure and negative space. These varied formal shifts all originate from a single action: the repetition of sewing thread.
Kim Hong-Seuk began solo exhibitions in Busan and Seoul in the early 1970s, and expanded his activity in the 1980s to Tokyo, Hiroshima, Paris, New Delhi, Washington D.C., and Tennessee. His solo exhibitions at the Rotunda Gallery and Oak Ridge Art Center (Tennessee) in 1982, at the Lalit Kala Akademi (India) in 1985, and at the Korean Cultural Center in Paris in 1986 demonstrate that his work was introduced across a constellation of exhibitions spanning Asia, North America, and Europe. He participated in the 13th São Paulo Biennale (1975), the Fourth India Triennale (1978), the Kyoto International Impact Art Festival (1980), and the traveling exhibition Korean Drawing Now organized in collaboration with the Brooklyn Museum (1981–84). His international profile was cemented by his receipt of the Grand Prize in painting at the Fourth India Triennale. Domestically, he participated in exhibitions including the École de Séoul and Korean Art Today: Black and White, contributing to the development of Korean modernism in the 1970s and 80s. His works are held in major public collections in Korea and abroad, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (MMCA) and the Ho-Am Art Museum.
김홍석은 1970년대 한국 추상미술의 전개 과정 속에서 실을 캔버스에 반복적으로 엮어 고정하는 작업 방식을 통해 평면의 구조적 조건을 다시 묻고자 한 작가다. 화필 대신 바늘을 들고, 물감을 칠하는 대신 실을 꿰맨 그의 화면에서 실과 캔버스는 동질의 물성을 지닌 채 조율된다. 절제된 모노크롬 화면 위에서 실은 때로 스며들고, 때로 도드라지며 독특한 회화적 긴장을 형성한다. 반복 행위를 통해 축적된 실의 흔적은 시간의 물리적 층위를 화면 안에 통합된 구조로 드러낸다. 캔버스의 결에 맞추어 같은 길이로 자른 실을 뒤에서 앞으로 한 올씩 뽑아 올리는 반복은 고된 수작업의 과정이다. 그 과정을 거쳐 화면은 추상적 형식을 띠고 있으면서도, 손끝에서 축적된 물질적 흔적이 응집되어, 관념적 여백이 아니라 만질 수 있을 듯한 구체적 텍스처로 살아난다. 이러한 조형적 사유는 화면 위에 조직적으로 배열된 실이 열림과 닫힘의 긴장을 구성하는 〈개폐〉 연작에서 선명해진다. 때로 점적으로 흩어지고, 때로 선적으로 흐르는 그의 실 작업은 〈당간〉에 이르면 밀집된 구조와 여백의 대비로 나타난다. 이러한 여러 형식의 변화는 오로지 한 가지 행위, 실을 꿰매는 반복에서 비롯된다.
1970년대 초 부산과 서울에서 개인전을 시작한 그는 1980년대에 도쿄, 히로시마, 파리, 뉴델리, 워싱턴 D.C., 테네시 등으로 활동 범위를 확장했다. 1982년 로툰다 갤러리와 오크리지 미술관(미국), 1985년 라릿칼라 아카데미(인도), 1986년 파리 한국문화원 개인전은 그의 작업이 아시아, 북미, 유럽을 가로지르는 전시 맥락 속에서 소개되었음을 보여준다. 그는 제13회 상파울루 비엔날레(1975), 제4회 인도 트리엔날레(1978), 교토 ‘임팩트 아트 페스티벌’(1980), 브루클린 미술관 순회전 Korean Drawing Now(1981–84)에 참여했으며, 인도 트리엔날레 금상을 수상함으로써 국제적으로 주목받았다.국내에서는 국립현대미술관 기획전을 비롯해 ‘에콜 드 서울전’, ‘한국미술 오늘: 흑백미술전’ 등에 참여하며 1970–80년대 한국 모더니즘의 전개 과정에 동참했다. 그의 작품은 국립현대미술관과 호암미술관을 포함한 국내외 주요 공공 기관에 소장되어 있다.